In Ragnarök, a Nordic Dream erschafft Christian keinen bloßen Verweis auf nordische Mythologie – er öffnet vielmehr ein lebendiges Erinnerungsfeld zwischen Untergang, Transformation und Wiedergeburt. Das Werk wirkt wie ein mythischer Organismus, der sich gleichzeitig auflöst und neu formiert. Traditionelle Wikingermotive, ornamentale Linienführungen und archaische Drachenformen zerfließen in organische Strukturen, die eher an Zellgewebe, kosmische Strömungen oder neuronale Netzwerke erinnern als an starre Symbolik vergangener Zeiten.
Schon beim ersten Blick wird deutlich, dass er hier nicht illustriert, sondern kanalisiert. Die Leinwand scheint unter Spannung zu stehen. Es gibt wie immer keinen festen Mittelpunkt – das Bild rotiert in sich selbst wie ein nordischer Sturm aus Erinnerung und Energie. Die mächtigen Spiralbewegungen erzeugen das Gefühl eines universellen Sogs: als würde die Welt der alten Götter im Moment ihres Zerfalls noch einmal aufglühen.
Die linke Bildhälfte lodert in warmen Gold-, Kupfer- und Violetttönen. Sie erinnert an Feuer, Schmiede, Blutlinien und das uralte Wissen der Wikingerzeit. Dort tauchen schlangenartige Formen auf, die an Jörmungandr denken lassen – die Midgardschlange, die in der Ragnarök-Sage das Ende der Welt einleitet. Doch diese Wesen sind nicht klar definiert. Sie zerfließen. Sie mutieren. Bergemann entzieht den Mythos seiner historischen Starre und verwandelt ihn in etwas Traumartiges, beinahe Biologisches.
Die rechte Seite dagegen öffnet sich in kalte Blau- und Türkisräume. Hier wirkt das Bild wie Wasser, Eis, Nebel oder kosmischer Äther. Die Linien erinnern an Strömungen des Nordmeers, aber ebenso an Sternenkarten oder mikroskopische Lebensformen. Dadurch entsteht ein faszinierender Gegensatz zwischen Feuer und Eis – jenem Urkonflikt, aus dem laut nordischer Kosmologie überhaupt erst die Welt entstand.
Typisch für Christians Werk ist die extreme Verdichtung von Information.
Überall entdeckt man Augen, Wesen, Fragmente von Ornamenten, Runenanklänge und pulsierende Texturen. Das Bild beobachtet den Betrachter ebenso sehr, wie es betrachtet wird. Seine Malerei funktioniert dabei nicht dekorativ, sondern bewusst über Reizüberflutung – ähnlich einer Vision oder eines tranceartigen Zustands.
Besonders bemerkenswert ist, wie er die Ästhetik nordischer Ornamentik nicht zitiert, sondern auflöst. Die traditionellen Flechtmuster der Wikingerkunst werden hier zu lebenden Strukturen. Linien werden zu Sehnen, Ornamente zu Organismen, Drachen zu kosmischen Energien. Dadurch entsteht eine Formensprache, die Vergangenheit und Zukunft gleichzeitig in sich trägt. Ragnarök wird hier nicht nur als Ende verstanden, sondern als notwendige Metamorphose.
Wie in vielen Werken scheint auch dieses Bild keinen klaren Anfang und kein Ende zu besitzen. Die Formen wachsen ineinander wie Gedankenströme oder Traumsequenzen. Genau darin liegt die Kraft des Werkes: Es verweigert jede endgültige Lesbarkeit. Stattdessen lädt es dazu ein, immer tiefer in seine Schichten einzutauchen – wie in eine nordische Sage, die über Generationen weitererzählt wurde und sich mit jedem Erzähler verändert.
Ragnarök, a Nordic Dream ist letztlich weniger ein Bild über Wikinger als ein Bild über zyklische Existenz. Über Zerstörung als Voraussetzung für Erneuerung. Über kulturelle Erinnerung, die sich nicht konservieren lässt, sondern ständig mutiert. Er verbindet dabei Mythologie mit psychedelischer Organik und erschafft ein Werk, das zugleich archaisch und futuristisch wirkt – wie ein Relikt aus einer Zeit, die erst noch kommen wird. (oder genauso erträumt wurde)